O feudal, pornográfico e supersticioso Francisco Brennand

Pouco conhecido no Brasil e um tanto menosprezado em Recife, o pintor, desenhista e escultor Francisco Brennand continua isolado em sua Oficina, no bairro da Várzea, subúrbio da Veneza brasileira. Tendo inspirações em Gauguin, Balthus e Miró, sua obra tem como tema principal o mistério da reprodução, não só humana, mas da vida. Uma maneira de eternizar algo que é mortal. Mulheres, ninfetas, falos, vulvas, mitos e toda a sua simbologia são marcas de suas esculturas, quadros e desenhos.

Apesar de se considerar um pintor e não um escultor, suas peças de cerâmica são o ponto de partida para um olhar curioso. A surpresa não é tão grande quando se descobre que, na verdade, o artista produz muitos quadros de óleo sobre tela e que essa é a sua verdadeira paixão. Estes estão expostos no salão Accademia e de lá não sairão. Suas obras não são vendidas, criam raízes como árvores. O seu sustento se dá na venda de ladrilhos e revestimentos cerâmicos e de encomendas. Mas as suas obras do museu ficarão por lá compondo um grande santuário místico.

Desde 1949, o artista escreve um diário com detalhes de sua vida pessoal e artística. Este manuscrito será transformado em um extenso livro que, segundo o artista, servirá de material de estudo para críticos de arte. Inspirada nesse mesmo diário, sua sobrinha-neta Mariana Brennand Fortes, dirigiu um documentário, que estreou nacionalmente no dia 15 de março de 2013 e que estará à venda no início do próximo ano, retratando a imagem de Brennand como um lobo solitário.

O senhor feudal

Recordo-me de ter encontrado a velha Cerâmica São João em ruínas. Inclusive, cabe salientar que não havia necessidade de um anteprojeto, pois as antigas paredes já indicavam aquilo que devia ser refeito: as ruínas balizavam tudo. Portanto, toda e qualquer ideia chegava à medida do trabalho em progressão. Talvez, por isso, eu resolvi chamar o lugar de oficina, baseado na origem da palavra ofício ( officium em Latim), que quer dizer trabalho, evitando o francesismo atelier.[1]

Francisco Brennand nunca passou por grandes dificuldades financeiras. Sua família era de grandes empresários da região do Recife. Em 1917, depois do declínio da produção açucareira no nordeste, seu pai fundou a Olaria São João, que fabricava telhas e tijolos para a região, garantindo o sustento da família. Brennand passou parte da sua infância entre argila, fornos e artesãos. Mas foi a paixão do pai por cerâmica que fez com que ele se tornasse um artista. Seu pai contratava pintores e artesãos para fazer peças diferenciadas e os apresentava ao filho que começava a sentir um certo fascínio pela pintura.

Começou sua carreira como desenhista e pintor ainda na escola, onde conheceu Ariano Suassuna. O autor paraibano desejava que as pinturas de Brennand estampassem as capas de seus livretos de poesia. A técnica, a mistura de tintas, as pinceladas, os pinceis adequados para cada estilo, isso ele aprendeu com o Álvaro Amorim, acompanhando um processo de restauração de uma coleção do João Peretti. Mas foi com Cícero Dias que Brennand teve o verdadeiro encontro com a arte. O pintor pernambucano que se estabeleceu em Paris convenceu o pai de Francisco a deixar o menino conhecer a Europa e estudar as manifestações artísticas com quem as estava fazendo. Sem problemas com investimentos, o jovem Brennand viajou para Paris e mal sabia que essa viagem seria um marco decisivo para sua carreira.

Francisco Brennand fez contato com pintores influentes e até trabalhou num ateliê bem localizado por trás da Champs Elisè. O motivo de ir à Europa era estudar pintura para aperfeiçoar sua técnica e criar o seu próprio estilo. Entretanto, ao visitar uma exposição de cerâmica de Pablo Picasso sua ideia a respeito dessa arte, por ele considerada menor, mudou.

(...) como se fosse um propósito do destino, a primeira exposição que vi foi uma exposição de cerâmica de Picasso (...), um gênio que estava fazendo cerâmica, uma arte que eu, na época, até pela idade, me dava ao luxo de desprezar, o que deixava o meu pai horrorizado.[2]

Com uma família formada por empresários da cerâmica, Brennand sempre a considerou uma arte utilitária, menor e sem a apreciação que a pintura atraía.  Todavia conheceu a obra de grandes artistas que ele já admirava pelas pinturas: Miró, Chagall, Matisse, Braque e Gauguin. Voltou ao Brasil para estudar melhor a produção de cerâmica e compartilhou durante muitos anos o espaço da Olaria com seus estudos cerâmicos. Em 1971, com a Olaria São João  já desativada, Brennand resolve restaurá-la e iniciar o seu projeto de vida: transformar aquelas ruínas em um grande templo/oficina/museu.

Foram 11 anos de trabalho para a construção do seu santuário. Sob conselhos da arquiteta e amiga Lina Bo Bardi, Brennand preservou a estrutura da fábrica. Tudo poderia ser reaproveitado. O artista revestiu quase tudo com sua própria cerâmica. O ar fabril continua graças a estrutura preservada. A história se eterniza na restauração do local. O Oficina Brennand é museu, escritório e fábrica, pois o artista não sai de lá e é nesse lugar que ele produz e expõe suas obras.

É um museu a céu aberto. Na chegada se encontram as primeiras esculturas: Os comediantes. Estes, com um leve sorriso, direcionam o olhar do visitante a um Templo Central, rodeado de pássaros Rocco que protegem uma cúpula azul, onde está o Ovo Primordial. Há um imenso jardim, com cerca de 2 mil metros, chamado Parque Burle Marx, projetado pelo próprio paisagista. Também existe uma área coberta, onde estão a maior parte de suas esculturas, todas dispostas muito próximas, fazendo com que o visitante esteja bem perto das obras a ponto de poder tocá-las. Um pouco mais afastado existe o Templo dos Sacrifícios, onde o artista faz uma homenagem às culturas americanas que foram sacrificadas pelas expedições europeias. Ainda existe a Accademia que abriga sua coleção de desenhos e pinturas, algo que o artista nunca abandonou e que continua investindo.

Inspirando em Gauguin, que deixou a burguesia e a cidade e se isolou numa ilha para ter melhores inspirações e obras diferenciadas, Francisco Brennand se isola da sociedade recifense. Todos os dias o artista está em seu santuário. Os visitantes podem sempre encontrá-lo a vagar pelas suas esculturas, ou ajudando os seus artesãos, ou estudando uma nova obra. Brennand não sai do seu santuário e na sua morte ficará por lá, em uma urna de cinzas que ele mesmo fez.

O artista pornográfico

Os quadros de Francisco Brennand possuem, em sua maior parte, o corpo de mulheres, especificamente, jovens ou adolescentes. São mulheres nuas, ou com fardamento escolar, com chapeus vermelhos, entre outros símbolos femininos. Nota-se uma grande influência do polêmico Balthus, que usava meninas e adolescentes como modelos de suas obras. Os dois artistas concordam que a beleza adolescente é muito mais interessante que a da mulher feita, pois “a adolescência encarna o futuro, o ser antes de se transformar em beleza perfeita. Uma mulher já encontrou o seu lugar no mundo (...). O corpo da mulher já está completo. O mistério desapareceu”[3]. Entretanto, apesar de ousado, o tema  não se torna sexual. O artista tenta mostrar a fragilidade e o sofrimento da condição humana.

O feminino faz parte do principal tema do artista: a reprodução. Visitantes se assustam ao ver tantas vulvas, vaginas, tantos falos e ovos em seu museu e nas suas obras espalhadas pela cidade. Há uma obra polêmica que foi feita em homenagem aos 500 anos do Brasil. Um grande obelisco que se fixa no marco zero da cidade. Foi alvo de muitas piadas da população e dos artistas locais. Porém apesar de vermos tantos objetos fálicos, o artista se direciona mais ao corpo feminino, às personagens femininas da mitologia ou da história. A mulher está diretamente ligada à reprodução. É na mulher que a vida é gerada e é por ela que os seres nascem e sua espécie se perpetua. Mas esta mesma entidade passa por sacrifícios, sofrimentos, dores e a morte em prol de sua descendência.

As esculturas de Brennand destacam as partes sexuais dos seres. As mulheres têm seus seios, suas vulvas, vaginas e barrigas avantajados. Muitas vezes o rosto da personagem nem aparece, como é o caso de sua Vênus. Outro exemplo é a obra  Leda e o cisne, que para o artista é o maior símbolo mitológico de fertilidade. O sexo faz parte da natureza, é necessário para a imortalidade. O artista não erotiza suas obras, ele mostra o que é natural, os órgãos sexuais não estão sob uma bela penumbra, estão à mostra e destacados para impactar o nosso olhar. O ato sexual é muitas vezes representado pelo sacrifício e pela dor. Vem antes do gozo.

O sofrimento feminino pode ser visto em muitas de suas esculturas, entretanto existe uma parte de sua obra chamada As Degoladas que são cabeças de personagens que morreram em um grande sofrimento, como Lara e Ofélia.  O artista reuniu cerca de doze mulher sofredoras para essa série. São infelizes, muito angustiadas. Suas cabeças estão voltadas para trás, como num êxtase dionisíaco, o que deixa suas gargantas salientes e inchadas, como se tivessem sido degoladas. Todas as personagens se relacionam com um fim trágico. Lara foi enviada ao submundo por ter entregue uma traição de Júpiter, teve sua língua cortada e ainda foi estuprada por Mercúrio. Já Ofélia se afogou por ter sido rejeitada por Hamlet. 

Fiz sem grande esforço uma coleção de esculturas de pelo menos doze delas. Todas senhoras absolutamente infelizes, profundamente angustiadas, quase histéricas, usando grandes cabelos negros e cujas cabeças são violentamente lançadas para trás (postura da cabeça no êxtase dionisíaco), ressaltando-lhes as  gargantas inchadas e salientes.

A pornografia de Brennand nos causa inquietação e não o fascínio. Mas o artista a justifica como uma grande ajuda, como uma muleta que sustenta essa sensualidade perversa à partir do pecado original. Antes o sexo já foi puro e natural. E em seu templo, há uma liberdade para as mulheres mães, sofredoras e detentoras da imortalidade.

O homem supersticioso

a Francisco Brennand

fechar na mão fechada o ovo
a chama em chamas desateada
em que ele fogo desateia
e o ovo ou forno tem domadas
então
prender o barro brando no oco
de não sei quantas mil atmosferas
que o faça fundir no útero fundo
que devolva a terra à pedra que era

                                        

                                      

                                          (João Cabral de Melo Neto)

            Francisco Brennand possui muito respeito pelo fogo. Suas obras passam pelo processo de queima até doze vezes para conseguir o resultado desejado. Mas nem sempre  a ideia inicial se concretiza. A obra vai crua ao forno e o artista a entrega para uma purificação em fogo altíssimo. Muitas vezes ocorrem acidentes que surpreendem o ceramista e tornam suas obras muito mais interessantes que no esboço. Elas obras passam por grandes aventuras até chegar ao resultado final.

Há uma relação muito especial entre o homem e a natureza nesse momento. Pois a argila se transformará em pedra novamente. Um dos acidentes citados pelo artista e pelos monitores do museu, que engrandeceu sua obra, foi o que aconteceu com Lara.  No meio do processo, uma cinza caiu sobre o rosto cerâmico e se transformou em uma lágrima negra, o que tornou sua escultura muito mais expressiva e dramática.

Essas diversas queimas são feitas para se adquirir a cor ideal. O esmalte possui uma cor viva, mas Brennand prefere um tom ferruginoso, então faz com que todas as suas esculturas sejam queimadas várias vezes até que as cores percam uma certa vida.

Posso dizer que a minha escultura cerâmica permanece moderna no forno- túnel e sai, depois de sucessivas queimas, com 10 mil anos. Coloca-se no limbo, diante das chamas, e surge prodigiosamente bela e purificada no paraíso.[1]

            A fala elaborada e cheia de referências vinda de Brennand está presente em todas as suas entrevistas e reflete o seu ar supersticioso. Tudo em seu santuário faz sentido e tem ligação. As obras evoluem tendo relação umas com as outras. O tema da reprodução é sempre colocado na frente do visitante. As peças do museu estão dispostas verticalmente para fazer referência ao crescimento. O próprio símbolo de Oxossi, o orixá que protege a caça e os animais, é um arco e flecha, colocado sempre na vertical em todos os seus paineis e na entrada da Oficina.

            Curiosa é a contradição desse Orixá. Como ele pode ser protetor dos animais e da caça? A explicação que se dá é que o orixá é um predador e faz parte da natureza, já o homem não é natural e destroi o seu meio. Dentro dessa afirmação, Brennand se protege dos maus olhos colocando símbolos do orixá e falos.

            Os ovos espalhados pelos jardins e o ovo primordial são protegidos pelos pássaros Rocco. Uma reprodução dos pássaros que protegiam seus ovos nas histórias do marujo Simbá.  Os falos são uma referência aos costumes greco romanos de adornar suas casas com este objetos, representando a felicidade, fertilidade e espantando os que queriam algum mal para os que habitavam ali.

            Suas esculturas são seres modelados por ele, o grande oleiro, que habitam num paraíso criado por ele e que não experimentaram o pecado, assim podendo continuar no sagrado Templo/Oficina/Museu.

CONSIDERAÇÕES FINAIS

         Apesar de ter sido reconhecido pelas suas esculturas de cerâmica, Brennand ainda se considera pintor. E afirma que não seria um bom escultor se já não soubesse pintar bem. O “modesto” e simpático Brennand, leitor incansável e criador de obras intrigantes, não pretende parar de produzir.  Com 86 anos, mesmo com chapeu e bengala, o artista plástico ainda é ambicioso e pretende tornar seu santuário  uma instituição. Tornará o seu trabalho imortal, e o reproduzirá para as próximas gerações.

            Estudá-lo foi bastante difícil, pois sua obra é muito pessoal e a sua vida não se desfaz de sua arte. Com a publicação do seu diário, tavez isso se tornará menos árduo. Preocupante é perceber que muitos brasileiros não reconhecem esse autêntico artista que não se encaixa em nenhuma escola. Ele é Brennand. Não participou de nenhum movimento. Se isolou de todos, negou a regionalização mas usou de uma caracterísca muito brasileira: a liberdade.

             

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[1] BRENNAND, Francisco e colaboração de  IVO, Consuelo de.  Francisco Brennand – mestre dos sonhos. Recife: Bagaço, 2005

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REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Livros

·         LIMA, Camila da Costa. Francisco Brennand : aspectos da construção de uma obra em escultura cerâmica. São Paulo: Cultura Acadêmica, 2009;

·         NÉRET, G. Balthus – 1908-2001 – O rei dos gatos. Köln: Taschen, 2004;

Documentários

·         DONAVAN, Lins. Brennand – de ovo omnia. Sistema de incentivo a cultura de Pernambuco. Disponível em < https://www.youtube.com/watch?v=hCGnTfbqjIA>

·         FRANCISCO Brennand – Oficina de Mitos. Produção Rede Sesc/Senac televisão. Disponível em < http://www.youtube.com/watch?v=Pjt2Y1XMrUM>

·         OFICINA Cerâmica Francisco Brennand. Produção Conhecendo museus, episódio 39. Disponível em < http://www.youtube.com/watch?v=_KSMGp8vj-8>

 Revistas

·         REVISTA LEITURA. São Paulo: Imprensa Oficial do Estado de São Paulo,

mar. 2000.

Depoimentos

·         BRENNAND, Francisco e colaboração de  IVO, Consuelo de.  Francisco Brennand – mestre dos sonhos. Recife: Bagaço, 2005

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[1] BRENNAND, Francisco e colaboração de  IVO, Consuelo de.  Francisco Brennand – mestre dos sonhos. Recife: Bagaço, 2005

[2] Revista Leitura, 2000, p.13

[3] Balthus in Néret, 2003, p.36-37

[4] BRENNAND, Francisco e colaboração de  IVO, Consuelo de.  Francisco Brennand – mestre dos sonhos. Recife: Bagaço, 2005

Com cara de domingo à tarde

Sábado de manhã, aquela ressaca, aquela péssima programação na tv, aquele monte de roupa pra lavar. O que você vai fazer? Porra nenhuma! Foi o que João Velho (o próprio) decidiu fazer num dia sem graça em que seu amigo, Átila Calache (o próprio também), veio com uma proposta de um futebolzinho. Nada melhor do que poder coçar a bunda, ver um filme idiota, ou pornô num bom volume, cantar no chuveiro, brincar com o seu gato, gritar com o atendente de telemarketing, atuar na frente do espelho, lembrar das coisas boas que não voltam.

A Imprecisa Companhia, com a direção de Tato Consorti, traz para o público a versão brasileira de uma das peças do dramaturgo e diretor teatral  escocês Antony Neilson que conta uma história comum, de um homem com trinta anos, comum, que tem uma vida amorosa cheia de picos e vales, algo comum, com pais caretas e abertos, o que também é comum, com devaneios ao vaso sanitário, igualmente comum. Somos levados a vivenciar um sábado de tédio na vida de João Velho que se transforma num dia cheio de aventuras e emoções. 

Realismo, uma mistura de realidade e fantasia, está em cartaz no Centro Cultural da Justiça Federal do Rio de Janeiro e proporciona ao espectador uma visão desautomatizada de uma vida normal. Um homem, infantil, maduro, frágil, rude, seguro e confuso, à espera de apenas um telefonema de sua ex namorada tão amada, interage com os  fantasmas de sua memória: seus pais, amigos e ex amores. O elenco, composto por Adriano Saboya, Átila Calache, Beatriz Bertu, Christian Landi, Daniela Galli, João Velho e Paula Braun, é afinadíssimo, não sendo possível elevar apenas um ou dois atores. Estão todos cooperando para a grandeza do espetáculo. Há  reconhecimento do espaço cênico, os atores se jogam entre os objetos, correm, pulam os móveis pois possuem também um bom trabalho corporal (Marcelle Sampaio) além de um ótimo trabalho vocal. O público ainda conta com a surpresa de uma participação especial de um gato que é personificado por um ator convidado a cada semana (já foram estiveram presentes Cissa Guimarães e Matheus Solano). Segundo João Velho, em entrevista, o gato é um personagem de poucas falas importantissimamente hilárias.

O cenário, de Aurora dos Campos, foi muito bem planejado. Um lugar entulhado de móveis antigos, novos, comprados ou doados, detalhes típicos de primeiro apê. Aparelhos eletrodomésticos e comida congelada dão uma realidade física à cena, deixando a imaginação presa ao desdobramento da história que não possui um tempo cronológico. Em um momento o ator está contracenando com sua mãe, envergonhado por ter sido pego transando com sua primeira namorada, logo depois está brincando com o seu melhor amigo da escola, ainda criança. A iluminação (Tomás Ribas) dá o tom do lugar e da cena, simulando uma tv, trabalhando expressões estáticas dos atores, focando objetos e personagens em destaque (ou não) na cena, além de auxiliar nas emoções que são uma mistura de melancolia, nostalgia e momentos de muita risada. A trilha sonora escolhida por Átila Calache e Tato Consorti, protagonizada por  "Never Forget You", de Noisettes, torna as cenas muito divertidas, principalmente quando os próprios atores cantam as músicas em capela.

Com tudo isso temos uma peça leve, de humor inteligente e que provoca um bom riso irônico. Situações com as quais a plateia se identifica e ri de si mesma. Há uma grande intimidade entre os que estão assistindo e os que estão atuando sem haver aquela interação constrangedora em que os atores descem do palco para falar com alguém afundado na cadeira. No fim, o público se encontra tão à vontade que podemos flagrar alguns dedos no nariz e mãos coçando o saco. Como se estivessem na sua própria casa, num sábado à tarde, sem fazer porra nenhuma.

Confira o Making Off da peça. :)